cine nordico

CINE NÓRDICO

CINE DANÉS

Ole Olsen de Dinamarca, fue el hombre que llevó el cine a los países del norte desde los primeros años de su existencia. En 1906, Olsen creó la sociedad Nordisk con la intención de hacer películas danesas con actores locales que tendrían aún más éxito que las películas del resto de Europa. Esta sociedad existe y funciona hasta nuestros días.

Sin embargo, no se debe olvidar que, como en la mayoría de los países europeos, el cine había llegado muy rápido (en este caso en 1898) a Dinamarca y también se dedicaron a filmar actualidades y/o documentales. Es así que en el primer film danés se puede ver a la reina Alejandra de Inglaterra, al zar Nicolás II y al rey Jorge de Grecia.

Olsen deseaba que su primera película fuese una “sensación” por lo cual contrató al actor más famoso de la época (Viggo Larsen) para actuar en el film dramático llamado Una cacería de leones en la isla de Eleore que causó la más grande de las impresiones ya que contó con la presencia de numerosos leones, lo cual produjo el efecto deseado ya que se hicieron centenares de copias de la película, cosa fabulosa en esa época.

Entre los éxitos de Olsen encontramos:
Matrimonio bajo terror
Los cuatro diablos
La favorita del Mahradjah

Le hicieron competencia:
La Dansk Biograph con el director A.W. Sendberg, entre sus películas más conocidas están:
Nuestro amigo común
Grandes esperanzas
Davis Copperfield (adaptación de la célebre obra)
Los cuatro diablos (nueva versión de la novela, favorita de los daneses)

Carl Theodore DREYER, periodista y crítico,Dreyer fue contratado por Olsen para traducir los subtítulos de sus películas para enviarlas al extranjero. En 1920, por fin pudo filmar su primera película: El presidente del jurado. Después de su éxito inicial, se impuso ante la crítica internacional con sus películas:
Entre sus películas más conocidas se encuentran:
El cuarto matrimonio de Dama Margarita, una jocosa historia sobre la costumbre existente de obligar al nuevo pastor a casarse con la viuda de su predecesor si ésta lo sobrevivía.
El amo de la casa es una película cuyo guión fue escrito por Dreyer mismo, con una historia sobre un marido déspota que cambia radicalmente.
Dreyer se fue después a París donde su fama se acrecentó con la filmación de su famosa Juana de Arco.

CINE SUECO

Ya en 1900 se había creado la primera productora de films de Suecia “Svenk Film Industri”. Los productores Charles Magnusson y Ole Olsen se encargaron de animar la industria naciente en ese país y en 1916 Magnusson contrató a dos jóvenes que se convertirían en los grandes directores del cine sueco mudo: Victor Sjöström y Mauritz Stiller.

Desde un principio, el cine nórdico, y sueco en particular fue marcado por su Literatura, por su Folklore y por la Naturaleza que domina los países nórdicos.

Victor Sjöström tiene entre sus primeras películas varias basadas en obras nacionales suecas:
Terje Vigen (poema de Henrik Ibsen)
Hija de la turba (novela de Selma Lagerlöf)

La película que lo reveló al público fue Los proscritos (basada en la novela del islandés Johann Sigurjonsson), un drama de amor cuyos protagonistas prefieren la muerte a la separación. Luego, El carretero de la muerte causó numerosos comentarios y discusiones y sobre todo mucha admiración ya que Sjöström supo introducir visualmente elementos sobrenaturales mediante sobreimpresiones. La última película que podemos incluir en esta lista de éxitos es La carreta fantasma, considerada como la obra máxima de Sjöström y como una de las obras maestras del cine universal en la época de cine mudo.

Mauritz Stiller empezó creando films de comedia y ligeros. Pronto pasó a otro tipo de obras entre las cuales se puede mencionar a tres películas inspiradas en la obra de la escritora Sela Lagerlöf: El tesoro del Arno, una terrible historia donde una joven se enamora del asesino de su hermana; muchos consideran esta película como la mejor obra de Stiller; La vieja mansión, trata de la locura de un pobre pastor de renos; finalmente se tiene La leyenda de Gösta Berling, historia de un pastor echado a perder por el alcohol quien viaja por todas partes por lo cual se tiene una excelente pintura de las costumbres suecas.

Mauritz Stiller emigró a E.E.U.U. como muchos de sus compatriotas y otros europeos.

CINE ALEMAN

En 1906 se filma la primera película alemana: Hamlet, es este tiempo las películas no tenían mayor personalidad y reproducían éxitos literarios universales.

La 1ª Guerra Mundial frenó toda la producción cinematográfica alemana. Después de la guerra, la producción fue más bien estereotipada, presentando generalmente a jóvenes héroes, heridos en la guerra, condecorados por la nación alemana, generalmente además, estos héroes se casaban con la enfermera que los atendía.

El cine como propaganda de estado

Después del armisticio, intervino el ejército y los industriales alemanes decidieron administrar una inyección industrial al país; para ello designan un rol para el cine alemán: ser el vehículo de propaganda nacional.
Las cuatro D’s (Deutsche Bank; Diskonto Bank; Düsseldorfer Bank y Dresdner Bank) asumen la dirección ejecutiva de la producción cinematográfica alemana de la post- primera guerra mundial.
En 1918 se crea la UFA (Universum Film Aktiengesershaft) y se compran los cines (los UFA Palast) para dominar todo el circuito de distribución.

Es en esta época que aparecen slogans del tipo “ganar la paz mediante el cine”.
Una de las estrategias para lograr los fines establecidos fue inventar un “nuevo” tipo de films “históricos” donde la clave era acentuar los prejuicios en contra de los países vecinos, por ejemplo en Madame du Barry (amante de Luis XV) se mostraba la corrupción y perdición de la sociedad francesa, en Ana Bolena la vida disipada de Enrique VIII de Inglaterra, incluso se llegó a atacar por este medio a Egipto con La mujer del Faraón. Lo impresionante es el cuidado y el talento que se invirtió en envilecer a otras nacionalidades.

La sociedad alemana de la época no recibió estas actitudes sin reaccionar, hubieron grandes polémicas internas

Expresionismo alemán
Hacia finales de la segunda década del siglo XX surgió la corriente que definiría el arte alemán de la entreguerra: el expresionismo, caracterizado por una interpretación afectiva y subjetiva de la realidad. Esta corriente es capital en la producción que se da en los años siguientes.

Las características principales de esta corriente son:
- el uso del claro / oscuro
- la construcción de escenografías que reflejen la subjetividad
- la introducción de temas como el horror, la muerte


Entre los representantes más importantes de esta corriente encontramos a:

Robert Weine:
1919 El gabinete del Dr. Caligari Se trata de una historia cuyo héroe sonámbulo parece ser el causante de varias muertes y el final es sorprendente.

Con esta película se inicia la etapa más conocida y admirada del cine mudo alemán: el expresionismo alemán. Los elementos que se introducen son los de horror, terror, suspenso. La muerte viene a ser l a estrella más importante.

1924: Las manos de Orlac

Lupu Pick:
La riel; Los desheredados; La noche de año nuevo.

El naturalismo se desarrollo presentando otras características como ser el uso de la cámara subjetiva.
Friedrich Murnau:
Nosferatu el vampiro; El último hombre.

El trabajo de Murnau consolidó las características del expresionismo alemán:
• escenografía subjetiva
• temas (horror, muerte, locura)
• juego con claro / oscuro

Fritz Lang:
1926: Metrópolis

El cine alemán evolucionó hacia la escuela realista, sobre todo después de la segunda guerra mundial, mostrando aspectos terribles y espantosos de la vida durante y después de la guerra.

El último hombre de Murnau es un excelente ejemplo de esta evolución.


CINE ITALIANO

Ya en 1898, Italia contaba con su primera sala de cine (la sala de madame Lelieur), lo cual demuestra el interés que existió por este fenómeno desde un principio.

En 1900, se lleva a cabo la primera realización italiana con la película “Pascua: la pasión de Jesús”, dirigida por Luigi Topi y con los actores Fremio y la Belle Orero.
Estos nombres (de los actores) y su parecido con los nombres de famosos cantantes de ópera de esa época son la señal de que se quiso aprovechar de la fama y la popularidad de las estrellas de la ópera (Fremio se parece a Fregolo y Belle Orero a Carolina Otero)

En poco tiempo se crearon casas productoras en toda Italia en: Roma, Torino, Milán y Nápoles.

En 1905 empieza la tradición italiana de los films históricos con el trabajo de Filoteo Alberini. Entre otras, hizo las siguientes películas:
La vida de Juana de Arco
El saqueo de Roma
Marco Visconti
Anita Garibaldi
Los 3 mosqueteros
La batalla de Legnano
Hamlet
Romeo y Julieta

Desde un principio, el cine italiano se alimentó de la ópera, como ocurrió con el teatro y el cine en Francia.

Reconstituciones y grandes producciones
Hacia 1910 empezó Arturo Ambrosio empezó a producir films que llegarían a ser lo más representativo del cine italiano, películas mucho más ambiciosas y grandes de lo que se había hecho hasta ese momento, la primera de estas películas fue
Los últimos días de Pompeya
Este film constituyó un suceso y un éxito de taquilla, por lo cual, y dentro del mismo estilo, se produjeron, en los años siguientes, las siguientes películas:
¿Quo Vadis? (1912) de Enrico Guazzoni (basada en el libro de Henri Sienkeiwiez)
Christus

En 1914 se filmó la famosísima “Cabiria” de Piero Fosco, que es la película más conocida de las películas de gran producción, contó con miles de extras y ciertamente tuvo gran influencia sobre D. W. Griffith y su manera de concebir las películas.
1923 Messalina gran espectáculo con miles de extras

Las nuevas estrellas. El nuevo fenómeno cinematográfico dio origen a un nuevo tipo de “estrella” en Italia. Los actores fueron tan admirados que en algunos casos incluso se llegó a olvidar el nombre de actor para recordar sólo el nombre del personaje que lo hizo famoso. En algunos casos, incluso se llegó a creer que la ficción era realidad y la gente tomaba las historias cinematográficas como datos históricos ( ese es el caso del personaje “Maciste”, el nombre del actor ha sido olvidado y la gente en Italia creía que Maciste había existido en la realidad).

Por otra parte, los actores y actrices populares fueron adquiriendo hábitos caprichosos por probar constantemente su importancia, lo hacían también para probar que podían más que sus rivales de las otras casas productoras.

Tal fue el caso de Francesca Bertoni y su rival Hesperia. Una no podía filmar algo sin que la otra no quisiese hacer lo mismo para probar que era igual de buena (ambas tuvieron que filmar su propia versión de “La dama de las camelias”).
El episodio más conocido de estas rivalidades y caprichos se conoce con el nombre de “la guerra de las barbas”. Los dos actores más populares de ese momento, Febo Mari y Alberto Capozzi no se perdían detalle pues tenían que probar constantemente que uno era mejor que el otro. Febo Mari no aceptó utilizar barba en su versión de “Atila, castigo de Dios” por lo cual y de inmediato, Alberto Capozzi se negó a llevar barba en su rol de San Pablo en la película que filmaba en ese momento.

1915, con la guerra llegó la primera gran crisis del cine italiano, no sólo por la natural disminución en la producción a consecuencia de la guerra sino también por la comparación que se hizo del cine italiano con el cine americano, comparación que se hizo posible por la llegada del ejército americano a Italia.

1923 a consecuencia de la crisis, la quiebra de la producción italiana era casi total, en esa época se produjo una emigración masiva hacia los E.E.U.U., por lo cual el estado decide intervenir y tomar medidas en apoyo a la producción nacional.

1926 al llegar al poder el fascismo se concibe el concepto de cuota de pantalla a favor de la producción nacional, el senador Corrado propuso un 10% de cuota de pantalla anual; al principio nadie hizo caso de esta ley.

1928 el Duce (Mussolini), al ver los efectos de la llegada del cine parlante, sube la cuota de pantalla a 25% y hace obedecer la ley. También crea el Instituto Luce (dependiente del ministerio de propaganda). El Instituto Luce logra ser bastante independiente del poder político tratando de no ser instrumento político del fascismo italiano de la época e instruye a una nueva generación en el arte de la cinematografía.

CINE RUSO

Al estudiar el cine ruso, no se puede dejar de notar un cierto atraso en el arranque del cine ruso debido a la Revolución rusa.

Es cierto que el cinematógrafo había llegado a la corte de los zares apenas un año después del estreno en París, pero lo que se filmó fueron las clásicas escenas de paseos públicos y personajes de la sociedad.

Después de la revolución, el cine tomó su lugar entre artistas e intelectuales:

1919 se instituyó el Instituto Cinematográfico y jóvenes intelectuales rusos emitieron un manifiesto “Por un cine no actuado”

1922 Lenin demuestra su interés por el cine al crear un organismo central a cargo de la industria cinematográfica: SOVKINO

Entre los años 1920 y 1925, el cine ruso se dedicó a un cine de propaganda interna.

Los “cuatro grandes” del cine ruso:

1. Dziga Vertov
Padre Del cine documental, pregona un “cine ojo” (kino glaz) que sea un “cine verdad” (kino pravda). Su ideal era el de fijar la realidad sin intervenir en ella.
Su película más conocida es:
El hombre de la cámara

2. León Kulechov
Kulechov realizó un gran trabajo (sobre todo junto a Pudovkin) en el famoso “laboratorio” cinematográfico que Lenin montara para estos cuatro jóvenes cineastas. Estudió y comprobó el fenómeno de asociación que el humano hace inconscientemente entre una imagen y la que le sigue (relación de causa y efecto).
El fue el que llevó a cabo el célebre experimento con el entonces famosísimo actor de teatro Musjokin y las imágenes de un plato de sopa, un ataúd y una niña con su osito de peluche.

La película más conocida de Kulechov es:
Las aventuras extraordinarias de Mister West en el país de los bolcheviques

3. Weswolod Pudovkin

Pudovkin trabajó con Kulechov en el “laboratorio”, se interesó también en los otros aspectos de la creación cinematográfica: guión, escenografía, actuación.

Sus películas más conocidas son:
1926 La madre (apología de la madre rusa)
1937 La caída de San Petersburgo

4. Sergei Michael Eisenstein
Eisenstein se dedicó a estudiar con mucha profundidad las posibilidades que ofrecía la edición. A él se deben los principios básicos de la edición cinematográfica:

a) edición por similitud (de forma; de movimiento)
b) edición por oposición (de forma; de movimiento)
c) edición por falsa consecuencia

Eisenstein hizo muchos otros aportes al cine a medida que fue filmando muchas películas; entre las más importantes se encuentran:

1924 Huelga (donde introdujo el concepto del héroe colectivo)
1925 El acorazado del Potemkin
1927 Octubre
1928 La línea general

Al final de su vida Eisenstein fue declarado persona no grata en Rusia y se fue a Méjico donde dejó una obra inconclusa: Viva Zapata.


CINE NORTEAMERICANO

Después de 20 años de retraso debido al monopolio de Edison, recién se pudo ver claro en el panorama cinematográfico norteamericano.

Sin embargo, ya existía el antecedente – importante aporte de William S. Porter con su película The Great Train Robbery (1903) – prototipo del western y también de las películas de gangsters – desdoblamiento de la acción.

“Tres grandes” del cine norteamericano:

David Wark Priffith:
Primera película Dolly’s Adventures (1908)
Busca trabajar con alguien que entienda que el cine no es teatro y así logra trabajar con Billy Bitzer, su camarógrafo y juntos hacen mucho dinero para la Biograph.

Griffith es quien experimenta con primeros plano, una edición más trabajada,, el uso de la luz artificial y la supresión, en gran medida de las mímicas exageradas de los actores. el uso de la edición alternada (o paralela) aparece en su película La villa solitaria.
El nacimiento de una nación se estrena en 1915 (inspiración después de ver “Quo vadis” de Guazzoni en 1913).
Intolerancia se llamaba primero “Love’s Struggle Through The Ages” esta película empezó con cuatro historias y terminó con tres – grandes problemas.
1918 – La flor de lis deshecha – amor entre una blanco y un chino – recepción por lo menos discreta. Menor audiencia – exilio.

Thomas Harper Ince:
1914 – 1918 la serie de peliculas de Rio Jim
Ince fue el verdadero creador del género western norteamericano.
También aportó con films de propaganda pro aliados: Viva Francia y En alguna parte en Francia).

Cecil B. De Mille:
Newyorkino tentado para ir a California a ser cineasta, filmó en 1913 la película The Squawman ( El marido de la india)
1915: unos de sus primeros éxitos fue: The Forfeiture (The Cheat – El engaño)
De Mille es quien por primera vez que usa la elipsis de manera sistemática – la gente no comprendía muy bien los saltos temporales o espaciales.